Архив занятий за 07.04.2020.
Архив занятий за 08.04.2020
Архив занятий за 09.04.2020
Архив занятий за 21.04.2020
Пятница,29.05.2020
Урок музыки в 8 «А»
«Великий дар творчества: радость и красота созидания».
Творческим потенциалом облада¬ет каждый человек. Но не все могут полностью или хотя бы частично его реализовать. И далеко не все люди стремятся к этому, хотя творчество на¬полняет смыслом жизнь человека, со¬действует его духовному росту, делает обыденность интересной, разнообраз¬ной и полезной. Созидание нового в любом виде де-ятельности — науке, искусстве, стро¬ительстве, даже в игре — творческий процесс. Конечно, если он доставляет радость, если человек, создавая новое, вкладывает в него свою душу. В результате научного творчества от¬крываются новые закономерности ре-ального мира, новые законы и факты природы. Плодами художественного творчества является создание «второй реальности» в картинах, музыкальных произведениях, фильмах и т. д. Творчество всегда активно, оно предполагает творческое усилие, по¬этому не терпит лени. Не случайно к проблеме творчества обращаются мно¬гие поэты.
Не спи, не спи, художник,
Не предавайся сну,
Ты — вечности заложник
У времени в плену.
Б. Пастернак
Творческий порыв предвосхищает рождение нового. Но необходимо на¬учиться мечтать, фантазировать, вклю¬чать для решения задач не только ин¬теллект, но и интуицию. Творческое состояние характерно тем, что оно овладевает мыслями, чувствами, во¬лей, сознанием человека, определяет не только его отношение к жизни, но подчас и его судьбу.
Искусство обладает уникальной спо¬собностью доставлять человеку радость творить и любоваться творчеством. Эта особая радость возникает благодаря эстетическому переживанию, которое испытывает человек, общающийся с искусством: автор он художественного произведения или зритель, слушатель, читатель. Восприятие произведений искусства тоже творческий процесс и потому также способно принести радость. Сила искусства в его эмоци¬ональности, в том, что оно способно потрясать людей. Момент творческого процесса запе¬чатлен в различных картинах, скуль¬птурах. Воспринимая их, человек по¬гружается в атмосферу творчества, у него рождается желание постичь не¬возможное, найти в душе созвучное этому невозможному. Выдающийся французский скульптор О. Роден сказал: «Мир будет счастлив только тогда, когда у каждого человека будет душа художника, иначе говоря, когда каждый будет находить радость в своем труде».
Процесс творчества убедительно раскрыт в портрете скульптора В. Мухиной работы М.Нестерова.
-------------------------------------------------------------------------------------------
Урок музыки в 5 «А» классе «О подвигах, о доблести, о славе».
Сегодня мы поговорим о симфонии, написанной в годы войны в осаждённом, блокадном Ленинграде. Она о тех испытаниях, которые принесла с собой война, о тех людях, которые смогли выстоять в трудное военное время. Автор симфонии – композитор – Дмитрий Дмитриевич Шостакович.
«Над миром катилась гроза.
Ещё никогда на концерте
Так близко не чувствовал зал
Присутствия жизни и смерти».
9 августа 1942 года в осажденном Ленинграде в большом зале Ленинградской консерватории прозвучала 7-я симфония выдающегося советского композитора Дмитрия Дмитриевича Шостаковича.
Симфония воплощается в 4 частях. Особое значение имеет I часть. О ней композитор писал: «Первая часть рассказывает о том, как в нашу прекрасную мирную жизнь ворвалась грозная сила – война». Идея симфонии – борьба советского народа против фашистских оккупантов и вера в победу. Вот как определили идею симфонии сам композитор: «Моя симфония навеяна грозными событиями 1941 года. Коварное и вероломное нападение германского фашизма на нашу Родину сплотило все силы нашего народа для отпора жестокому врагу. Седьмая симфония – это поэма о нашей борьбе, о нашей грядущей победе».
Поэт Лев Болеславский написал в поэме «Шостакович» такие строки:
Ах, Дмитрий Дмитрич! На дворе война,
Простите, милый, но кому, дружище,
Сегодня ваша музыка нужна?
Солируют фугасы. Пули свищут,
Кромешный ад. Селения горят.
Прёт супостат. Не до гармоний вечных.
Когда, мой милый, пушки говорят,
Смолкают музы. С музыкой, конечно.
Смолкают? Нет уж! Нет!
Молчать, нельзя!-
Оборотясь, отрезал. За очками,
Казалось, полыхнули не глаза,
А из души прорвавшееся пламя.
Почему Шостакович отвечает “Нет! Молчать, нельзя!”. О чём он говорит?
Это была замечательная идея - показать врагам, что город живёт и борется, что жители Ленинграда не пали духом, а надеются на победу. На титульном листе партитуры Дмитрий Шостакович написал: «Нашей победе над фашизмом, нашей грядущей победе над врагом, моему любимому городу Ленинграду я посвящаю свою Седьмую симфонию».
Начиная с исполнения в блокадном Ленинграде, симфония имела для советской и российской власти огромное агитационно-политическое значение.21 августа 2008 года фрагмент первой части симфонии был исполнен в разрушенном грузинскими войсками южноосетинском городе Цхинвале оркестром Мариинского театра под управлением Валерия Гергиева.
Немецкий композитор Л.Бетховен писал: “Наше время нуждается в людях, мощных духом!” А я считаю, что любое время нуждается в них. Почему? Да потому, что только сильные духом могут подняться над обстоятельствами, и в трудной ситуации сделать больше, чем в их силах. А теперь давайте послушаем фрагмент симфонии.
https://www.youtube.com/watch?v=mIOZGXVMR8U
-------------------------------------------------------------------------------
Четверг,28.05.2020
Урок музыки в 6 «А» классе А.Журбин «Орфей и Эвридика»
«Орфе?й и Эвриди?ка» — первая советская рок-опера. Написана в 1975 году композитором Александром Журбиным
и драматургом Юрием Димитриным, поставлена ансамблем «Поющие гитары» в оперной студии при Ленинградской
Консерватории. Премьера состоялась в Ленинграде 25 июля 1975 года. Опера непрерывно исполнялась в Ленинграде
десять лет (1975—1985), кроме того исполнительская труппа с аншлагом гастролировала по СССР. С 1988 года исполнение
в Ленинграде было возобновлено.
Поскольку термин «рок» вызывал негативные эмоции у руководства Министерства культуры СССР, постановка была названа
«зонг-оперой» (от нем. der Song — «эстрадная песенка»; это слово ассоциировалось с «эпическим театром» Бертольда
Брехта, где вставные песни-зонги играли роль авторского комментария к действию).
В 2003 году опера вошла в книгу рекордов Гиннесса, как мюзикл, максимальное количество раз сыгранный одним коллективом
(на момент регистрации рекорда спектакль исполнялся 2350-й раз).
https://www.youtube.com/watch?v=-exq-cnrxPU
------------------------------------------------------------------------
Вторник,26.05.2020
Урок музыки в 7 «А» классе
« Популярные хиты из мюзиклов».
Мю?зикл (англ. Musical) — музыкально-театральный сценический жанр, произведение и представление,
сочетающее в себе музыкальное, драматическое, хореографическое и оперное искусства. Несмотря на то,
что английский термин «мюзикл» является сокращением от «музыкальной комедии», он может представлять
собой также трагедию, фарс или драму. Ввиду большого жанрового сходства с опереттой, мюзикл как отдельный жанр
театрального искусства долгое время не признавался, однако на протяжении своего существования он сформировал
свои особенности, которые отличают его от других жанров. Мюзикл является следствием развития американской и
европейской оперетты, нарушения сложившихся традиций и канонов, расширения различных границ, выразительных
средств и эффектности. Помимо оперетты, на мюзикл также оказали большое влияние такие жанры как комическая опера,
водевиль и бурлеск, а также эстрадные музыкальные стили и направления XX века и начала XXI века.
Он стилистически раскованнее и разнообразнее в составе оркестра, в нём нашли признание многие приемы симфо-джаза,
а также более современные направления, требующие острых, эпатирующих красок и электроакустической аппаратуры.
В мюзикле переплетаются: диалоги, песни, музыка и шоу, важную роль играет хореография. Хореография мюзикла отличается
от балетных и салонных танцев оперетты. Для мюзикла характерны острая драматическая коллизия, бо?льшая динамичность
действия, разнообразие песенных музыкальных форм.
Мюзикл — жанр, как правило, сложный в постановочном отношении и потому дорогой. Многие бродвейские мюзиклы славятся
своими спецэффектами. Мюзикл — один из наиболее коммерческих жанров театра. Это обусловлено его зрелищностью, разнообразием
тем для
постановки, неограниченностью в выборе средств выражения для актеров. В период 1920-х—30-х годов, с приходом новых американских
композиторов Джерома Керна, Джорджа Гершвина, Коула Портера и других, мюзикл приобретает истинную американскую окраску. Усложнилось
либретто, в ритмах стало заметно влияние джаза, рэгтайма, в песнях появились типичные американские обороты. Многие песни из
мюзиклов стали музыкальной классикой. Значительно возросло актёрское мастерство певцов.
После Второй мировой войны фабула мюзиклов стала более серьёзной, появилась «Вестсайдская история» («Westside story», 1957)
Леонарда Бернстайна. За основу постановки взята шекспировская трагедия «Ромео и Джульетта», при этом действие происходит в
современном Нью-Йорке. Экспрессивность танцев обозначило растущее значение хореографии. Кардинальные изменения в понятие
мюзикла
преподнесла постановка «Иисус Христос - суперзвезда» («Jesus Christ Superstar», 1971) композитора Эндрю Ллойда Уэббера и либреттиста
Тима Райса. Другое творение Уэббера, «Кошки» («Cats», 1981, по мотивам стихотворного цикла Т. С. Эллиота «Популярная наука о кошках,
написанная Старым Опоссумом»), представляет яркие запоминающиеся образы, пластичные и гибкие танцы, узнаваемые кошачьи
интонации в музыке.
https://www.youtube.com/watch?v=QzoHNaWFlFc
Варвара - Мюзикл "Кошки" (Memory)
https://www.youtube.com/watch?v=3CHmKqij5UU
---------------------------------------------------------------------------------------------
Пятница ,22.05.2020
8 «А». «Преобразующая сила искусства».
«Волшебная сила искусства!
Её не увидишь глазами,
Её лишь услышишь сердцами,
Лишь ей поддаются все чувства:
Картина, звук песни и слово».
Художники всегда размышляли о предназначении искусства, своего творческого дара.
«И чувства добрые я лирой пробуждал…» — писал А. Пушкин. «Надежная опора вдохновенью
была дана мне с детства в красоте» — считал Микеланджело. «Прекрасный стих подобен смычку,
проводимому по звучным фибрам нашего существа. Не свои — наши мысли заставляет поэт петь
внутри нас.
…Он восхитительно пробуждает у нас в душе нашу любовь и нашу скорбь. Он кудесник. Понимая
его, мы тоже становимся поэтами, как он» — говорил А. Франс.
Искусство обладает огромной действенной силой, незаметной на первый взгляд. Читая книгу, смотря
кинофильм или спектакль, посещая художественный музей или выставку, слушая классическую музыку
современные песни, человек как будто только отдыхает, проводит досуг. На самом деле во время общения
с искусством, погружаясь в художественное произведение и сочувствуя героям, персонажам, он словно
примеряет на себя другие характеры, разнообразные ситуации, получает новый опыт: сопереживает
положительным персонажам, негодует, когда видит несправедливость по отношению к слабым и беззащитным.
Художественные образы служат эстетическими идеалами, которые проявляются в отношении к жизни,
в характеристиках положительных и отрицательных персонажей и воплощаются в самых разных формах:
в героической поэме и сатире, в трагедии и комедии. Искусство воздействует на ум, сердце, душу человека,
восстанавливает психическое и эмоциональное равновесие, помогая снять внутреннее напряжение и волнение,
порожденное реальной жизнью, гармонизирует внутренний мир воспринимающего его читателя, слушателя, зрителя.
Настоящее искусство спокойно, ненавязчиво, оно «не терпит суеты», «воспитание искусством — это «тихая работа»
(Ф. Шиллер).
Массовая культура, напротив, оглушительна, назойлива, суматошна, развлекательна, легка для восприятия.
Она так прочно вошла в сознание многих людей, что места для высоких духовных ценностей уже почти не осталось.
И искусство, и массовая культура воздействуют на взгляды, вкусы и мировосприятие человека исподволь, часто не
осознанно для него.
«Искусство создает хороших людей, формирует человеческую душу», - говорил Петр Ильич Чайковский.
Посмотрите фрагмент исторического фильма Романа Полански «Пиани?ст». Фильм удостоен «Золотой пальмовой ветви»
на Каннском кинофестивале 2002 года, а также трёх премий «Оскар», в том числе за лучшую режиссуру и лучшему актёру —
Эдриену Броуди (для съёмок в фильме он выучил сочинения Фредерика Шопена и похудел на 13 кг). Фильм основан на реальных
событиях и описывает историю пианиста Владислава Шпильмана. Во время войны еврейский пианист скрывается в разрушенном
доме, а немецкий офицер, восхищённый его искусством, помогает ему выжить.
https://www.youtube.com/watch?v=7rjxBp-VsZE
Фильм Романа Полански "Пианист". Отрывок из Баллады Шопена №1 Соль-минор op.23
----------------------------------------------------------------------------------------------
Урок музыки в 5 «А» классе. «Импрессионизм в музыке и в живописи».
Однажды в Англию приехал французский художник Клод Моне, которому очень хотелось поближе познакомиться с этой страной,
и, конечно, запечатлеть на холсте ее красоты, культурные шедевры и природу в различное время суток. В Лондоне он увидел
прекрасное здание - известный собор Святого Петра, в котором похоронено много знаменитых ученых и писателей. Пораженный
его красотой, художник решил нарисовать собор. Для этого он выбрал удобное, как ему казалось место и начал работать.
А происходило все в туманный день, ведь Лондон известен всему миру как город туманов. В тот момент, когда творил художник,
туман был очень густой, что едва можно было рассмотреть очертания зданий. Моне в своей картине постарался передать это явление.
Когда картина была закончена, он показал ее на выставке. Жители Лондона, увидев картину, начали смеяться. «Подумаешь,
говорили они, приехал какой-то французишка и рисует всякую чепуху! Каждый ребенок знает, что туман серый»
В 1874 году, на выставке, Клод Моне, пытаясь избежать монотонности в названиях своих картин, озаглавил одну из них необычно:
«Впечатление. Восходящее солнце». Известный в то время критик Леруа зло высмеял художника, назвав его «впечатленщиком».
А Клод Моне с художниками – единомышленниками Эдуардом Мане, Камилем Писсаро, Эдгаром Дега, Огюстом Ренуаром и Альфредом
Сислея в свою очередь признали правильной уничижительное прозвище и увековечили его в истории культуры. Так возникло во
второй половине XIX века в европейском искусстве новое направление. А называется это направление - «импрессионизм» от
французского слова Impression- что значит впечатление.
Все картины объединяет невероятное ощущение света и цвета. Каждый художник запечатлел на полотне «красоту мига».
Импрессионизм возник как направление в живописи, но его стали применять и по отношению к другим видам искусства, в том
числе и к музыке. И говоря об импрессионизме в музыке, имеют в виду «живописные» моменты - красочность тембров и гармонии,
сочетание регистров, особое внимание в музыке уделяется динамическим оттенкам.
Французского композитора Клода Ашиля Дебюсси считают основоположником импрессионизма в музыке. Его называют художником,
который рисует звуками. Дебюсси, так же как и все художники - импрессионисты, стремился передавать свои впечатления от
окружающего его мира. Его музыка наполнена игрой светотени, прозрачными, как бы невесомыми красками, которые создают
ощущение звуковых пятен. И сейчас мы с вами в этом убедимся. Послушаем пьесу К.Дебюсси «Девушка с волосами цвета льна».
https://www.youtube.com/watch?v=Kz4H5Pq2SEw
https://www.youtube.com/watch?v=iMsYccRKfVw
К.Дебюсси. Девушка с волосами цвета льна
--------------------------------------------------------------------------------------------
Четверг,21.05.2020
Урок музыки в 6 «А» классе. «Вестсайдская история»
«Вестсайдская история» - (англ. West Side Story) — американский мюзикл 1957 года,
сценарий к которому создал Артур Лорентс, музыку — Леонард Бернстайн, слова — Стивен
Сондхайм, а хореографию поставил Джером Роббинс. В основу современного музыкального
спектакля Л.Бернстайн положил сюжет Уильяма Шекспира «Ромео и Джульетта», перенеся её
действие в современную Америку на западные окраины Нью - Йорка (Вест Сайд), населённые бедняками.
Действие разворачивается в Нью-Йорке середины 1950-х гг., повествуя о противостоянии двух уличных банд — «Ракет» («Jets»), потомков белых эмигрантов, и «Акул» («Sharks»), пуэрториканцев. Главный герой,
бывший член «Ракет» Тони, влюбляется в Марию, сестру Бернардо, лидера «Акул». Драматичность,
запоминающаяся музыка и поднятие острых социальных проблем принесли мюзиклу мировую известность.
Музыкальные композиции, написанные Бернстайном к мюзиклу, стали очень популярными.
Премьера состоялась 26 сентября1957 г. на сцене театра «Winter Garden». Мюзикл был показан 732 раза,
прежде чем отправиться в мировое турне. Мюзикл получил премию «Тони» 1957 года в двух номинациях,
но уступил постановке «The Music Man» в номинации «лучший мюзикл». Постановка также удостоилась
театральной премии Theatre World Award. Наградами был отмечен и одноимённый фильм 1961 года,
снятый по сценарию мюзикла — он был удостоен 10 премий «Оскар» (всего номинаций было 11).
Мюзикл часто ставится в учебных заведениях, региональных театрах и даже оперных театрах мирового масштаба.
Первая постановка мюзикла в России состоялась в 1965 году на сцене Московского театра оперетты.
https://www.youtube.com/watch?v=B6rGIOLAxc0
WEST SIDE STORY "MAMBO Вестсайдская история. Мамбо».
https://www.youtube.com/watch?v=sf9lR5oByyw
----------------------------------------------------------------------------------------------------------
Урок музыки в 7 «А» классе.
«Рок – опера «Юнона и Авось» А.Рыбникова»
Сюжет поэмы «Юнона и Авось» (1970) и рок-оперы основан на реальных событиях
и посвящён путешествию русского государственного деятеля Николая Петровича Резанова
в Калифорнию в 1806 и его встрече с юной Кончитой Аргуэльо, дочерью испанского коменданта
Сан-Франциско.
По воспоминаниям Андрея Вознесенского, поэму «Авось» он начал писать в Ванкувере. Кроме того, сохранился и был частично издан путевой дневник Резанова, который был также использован
Вознесенским.
Николай Резанов, один из руководителей первой русской кругосветной экспедиции, в 1807 прибыл в Калифорнию для того, чтобы пополнить запасы продовольствия для русской колонии на Аляске.
Его полюбила 16-летняя Кончита Аргуэльо, с которой они обручились. Резанов был вынужден вернуться на Аляску, а затем ехать к императорскому двору в Санкт-Петербург, чтобы выхлопотать разрешение
на брак с католичкой. Однако по дороге он тяжело заболел и умер в Красноярске в возрасте 43 лет (годы жизни Резанова 1764—1807). Кончита не верила доходившим до неё сведениям о смерти жениха.
Только в 1842 английский путешественник Джордж Симпсон, прибыв в Сан-Франциско, сообщил ей
точные подробности его гибели. Поверив в его смерть лишь тридцать пять лет спустя, она дала обет
молчания, а через несколько лет приняла постриг в доминиканском монастыре в Монтерее, где провела почти два
десятилетия и скончалась в 1857 году.
А спустя ещё полтора века, произошёл символический акт воссоединения влюблённых. Осенью 2000 года шериф калифорнийского города Монтерей привёз в Красноярск горсть земли с её могилы и розу, чтобы возложить к белому кресту, на одной стороне которого выбиты слова «Я тебя никогда не забуду», а на другой — «Я тебя никогда не увижу».
Рок-опера «Юнона и Авось» основана на реальных событиях. Изначально это была поэма «Авось», которую Андрей Вознесенский создал, впечатлившись историей любви путешественника Николая Резанова и Кончиты Аргуэльо.
После встречи с композитором Алексеем Рыбниковым поэт пишет либретто. После переработки которого появляется рок-опера «Юнона и Авось». Это было новое веяние в искусстве — на сцене звучали песни-молитвы с современным музыкальным сопровождением. И вот уже много лет рок-опера, поставленная режиссёром Марком Захаровым, успешно идет на подмостках театра имени Ленинского комсомола.
Сюжет поэмы — о большой любви, для которой нет преград и расстояний, нет возрастных ограничений, также очень выпукло звучит тема веры и служения Отечеству, тема жертвенности во имя России.
«Юнона и Авось». Белый шиповник.
https://www.youtube.com/watch?v=lYb0UHqY7iA
https://www.youtube.com/watch?v=JjMsAtvVAms
Я тебя никогда не забуду. « Юнона и Авось».
Пятница ,15.05.2020
Урок музыки в 5 «А» классе «Сильные духом крепче стены».
Эта история, в которой перекликаются события разных времён. Но основная идея притчи в том, что Родина будет под надежной защитой тогда,
когда люди будут готовы отдавать за нее свои жизни. Так было в битве под Москвой, когда столицу защищали люди разных национальностей.
Но объединяли их любовь к Родине и ненависть к врагу.
316 стрелковая дивизия участвовала в ожесточённых боях под Москвой. За проявленный героизм ей присвоено звание 8 ой Гвардейской и
имя генерала Панфилова. За оборону Москвы 120 воинов Красной Армии были удостоены звания Героя Советского Союза, среди них 28 Героев –
Панфиловцев. Как ты думаешь: какую роль играет музыка в этом мультипликационном фильме? Может ты по-другому озвучил бы этот рассказ?
https://www.youtube.com/watch?v=ENTaQBTQ2E4
---------------------------------------------------------------------------------------------
Урок музыки в 8 «А» классе «Песня, опалённая войной». «Алёша».
О том, что в Болгарии стоит памятник русскому солдату Алеше, знают все. Все слышали песню «Стоит над горою Алеша», многие назовут город,
над которым установлен монумент, но не все знают, что у памятника есть реальный прототип. И очень романтичная, но грустная история.
Памятник Алеше, установленный над Пловдивом, был открыт в 1957 году. Тогда, 60 лет назад, настоящий Алеша даже не догадывался, что ему
ставят памятник с легкой руки его военного друга…. Живя в деревне на Алтае, он вообще не сразу узнал о существовании памятника.
Алексей Скурлатов прошел всю войну – он ушел на фронт в сентябре 1941 года в возрасте 19-лет и встретил победу в Болгарии. До того, как
Алеша оказался в Болгарии, он воевал у деревни Крюково, под Тверью и Ржевом, на Курской дуге. На него ДВАЖДЫ (!) приходили похоронки.
В 1943 году он, не будучи убитым, все-таки умер бы под завалами земли, если бы одна из медсестер не увидела торчащие из земли сапоги и
не пригляделась бы внимательнее – у «убитого» солдата дрожали веки. «Я убит под Ржевом» - про таких, как Алексей Скурлатов. «У деревни
Крюково погибает взвод» - тоже про него. И «Жди меня, и вернусь, всем смертям назло» - тем более. Он служил в разведке.
В сентябре 1944 года Алексей Скурлатов переведен из-за тяжелых ранений из артиллерийской разведки в связисты и отправлен в Болгарию –
налаживать связь между Софией и Пловдивом. И там подружился с участником болгарского сопротивления Методи Витановым. 9 мая они встретили
вместе, Алеша танцевал, держа на плечах двух болгар, а Методи сфтографировал танцующего друга.
В 1948 году у жителей Пловдива появилась идея установить памятник русским воинам-освободителям. Методи Витанов передал фотографию фронтового
друга одному из скульпторов – Василу Радовславову. Был объявлен конкурс, победителем которого был признан вариант «Красный богатырь», созданный
под руководством Васила Радославова. Методи Витанов, увидев памятник, узнал в нем Алексея Скурлатова и, не долго думая, написал на постаменте «Альоша».
Надпись долго не стирали, и скоро все стали называть железобетонного солдата этим именем.
В 60-х годах была написана песня «Алеша», ставшая настолько популярной в Болгарии, что до 1989 года она была гимном Пловдива. Алексей Скурлатов
слышал эту песню, но не догадывался, что песня – о нем. Лишь в 1974 году Методи Витанов написал письмо в самый популярный советский журнал «Огонек»,
рассказал о друге, фотографии и надписи на памятнике и попросил помощи в розыске друга. Ему переслали фотографию Алексея Скурлатова и скоро настоящий
Алеша получил письмо: «Я нашел тебя, Алеша!»
На этом романтика истории заканчивается.
Алексей Скурлатов, ставший почетным жителем Пловдива, дожил до того дня, когда в 1989 году власти Болгарии вдруг решили, что памятник необходимо снести,
так как он является символом советской оккупации. Противники коммунизма обливали монумент черной краской, мэр Пловдива объявил Алешу своим личным врагом
и решил переделать памятник в… в гигантскую бутылку Кока-Колы. Страшно представить, что творилось в душе у Алексея Скурлатова, когда он следил за новостями.
Алеша остался стоять на своем месте исключительно благодаря жителям города – они круглосуточно дежурили у памятника, русские ветераны, живущие в Болгарии,
пообещали сжечь себя в случае уничтожения Алеши. После трех попыток снести или реконструировать памятник, верховный суд Болгарии постановил, что Алеша –
памятник Второй Мировой войны и сносу или переделке не подлежит.
Настоящий Алеша прожил долгую жизнь – он умер в 2013 году, в деревне Налобихе в Алтайском крае, где и родился в 1922 году.
Железобетонный 11,5-метровый Алеша по-прежнему стоит над Пловдивом на холме Освободителей (холм Бунарджик). Рядом с ним установлен монумент другим русским
освободителям в честь завершающего сражения в русско-турецкой войне:
Территория вокруг Алеши, когда мы поднялись на гору, выглядела грустно и пусто. И не только из-за сорокаградусной жары. У подножия - высохший бассейн
(хочется надеяться, что хотя бы 9 мая в него наливают воду) и заброшенное здание (то ли сувенирный магазин раньше был, то ли кафе, то ли еще что-то).
Зато Пловдив как на ладони. А еще на холме растут ели, посаженные советскими космонавтами.
Хочется верить, что жители Пловдива по-прежнему ценят памятник и знают историю о настоящем Алеше. И приходят к нему не только 9 мая и в день освобождения
Болгарии.
Но есть песня. И песня живёт и звучит. Советская песня на стихи поэта Константина Ваншенкина и музыку композитора Эдуарда Колмановского. Символ памяти всем
советским солдатам, погибшим при освобождении Болгарии от нацистской оккупации во Второй мировой войне.
В 1962 году композитор Эдуард Колмановский побывал в Болгарии, в том числе и в городе Пловдив у памятника «Алёша». Там ему рассказали историю его возникновения.
Вернувшись домой, Колмановский поделился тем, что увидел и услышал в Пловдиве, с поэтом Константином Ваншенкиным, который был захвачен этой темой и вскоре написал стихи.
Вслед за стихами появилась песня. Её опубликовали в 1966 году в армейском журнале «Старшина-сержант», в номере, посвящённом болгаро-советской дружбе. В 1967
году Краснознамённый имени А. В. Александрова ансамбль Советской Армии впервые исполнил эту песню. Она прозвучала у подножья Пловдивского памятника советскому
воину-освободителю. А в 1968 году «Алёшу» с большим успехом исполнил Московский хор молодёжи и студентов на IX Всемирном фестивале молодёжи и студентов в Софии.
Песня сразу стала очень популярна в Болгарии.
Для советских слушателей эту песню по-настоящему «открыли» болгарские певцы, замечательный дуэт — Маргрет Николова и Георги Кордов. В Интернете отсутствует оригинальная запись дуэта, транслировавшаяся по радио в те годы. Существует лишь запись с концерта «Песня-71», а также запись с виниловой пластинки, вышедшей уже в 80-х годах. В 1985 году её исполнили Филипп и Бедрос Киркоровы. Также среди известных исполнителей — Бисер Киров.
Отрывок из песни звучит в фильме «Без сына не приходи» (1986). По решению Пловдивского городского Совета песня «Алёша» вплоть до 1989 года была официальным гимном города. Каждое утро радиостанция Пловдива начинала свои передачи с этой песни. Она часто звучала во время культмассовых мероприятий, проводимых Болгарской Коммунистической партией. Все ученики болгарских начальных школ должны были её знать.
Популярность песни определила народное название многих монументов в Советском Союзе, некоторые из которых стали полуофициальными. Например, так называют мемориал «Защитникам Советского Заполярья в годы Великой Отечественной войны» в Мурманске. Вот такая история. История песни, опалённая войной…
https://www.youtube.com/watch?v=3cIJ4R_cb4Q
-----------------------------------------------------------------------------
ЧЕТВЕРГ,14.05.2020
Урок музыки в 6 «А» классе «Песни военных лет. «Катюша».
Стихи, ставшие впоследствии песней под названием "Катюша", Михаил Исаковский начал писать в начале 1938 года.
«У меня, можно сказать, сразу, без особых усилий написались первые восемь строк, то есть первая половина "Катюши".
Но потом работа застопорилась. Я не знал, что же дальше делать с Катюшей, которую я заставил выйти "на высокий берег,
на крутой" и запеть песню. Поэтому стихи пришлось пока отложить, хотя начало их мне определенно нравилось», вспоминал автор.
Чуть позже поэт встретился с композитором Матвеем Блантером, и в содружестве родилась песня.
Время тогда было тревожное. Мы как бы уже предчувствовали войну, хотя и не знали точно, когда и откуда она может прийти.
Впрочем, мы не только предчувствовали, что война будет, но в известной мере уже переживали ее: ведь в 1938 году еще пылало пламя
войны в Испании; в том же году Красная Армия вынуждена была вести и вела тяжелые бои с японскими самураями у озера Хасан:
не очень спокойно было и на западных наших границах.
По этим причинам тема родины, тема защиты ее от посягательств врага была темой самой важной, и я, конечно, никак не мог
пройти мимо нее даже в лирической песне.
Осенью 1938 года, как и обещал М. И. Блантер, состоялся первый концерт Государственного джаз-оркестра. На концерте была
впервые исполнена Катюша", которая сразу же понравилась всем. Отсюда и началось ее шествие по нашей стране.
Однако история "Катюши" на этом не кончается. Она, пожалуй, только начинается. И поэтому стоит кое-что рассказать о "Катюше"
дополнительно. Через год "Катюша" перешагнула границы Советского Союза.
Во всяком случае, уже в сентябре 1939 года население Западной Украины и Западной Белоруссии, находившееся дотоле под властью
польских панов, встречало нашу армию-освободительницу пением "Катюши".
В годы Великой Отечественной войны "Катюшу" пели бойцы армии Сопротивления во Франции и Италии.
Осенью 1957 года, когда Михаил Исаковский приехал в Италию, ему рассказывали, что по крайней мере восемьдесят процентов
населения Италии знает "Катюшу". Об этом писал и поэт А. Прокофьев, утверждая, что "Катюша"
Впереди отрядов партизанских
Чуть не всю Италию прошла.
Дошла "Катюша" и до Соединенных Штатов Америки. Побывав там вскоре после войны, украинский поэт Андрей Малышко писал в
одном из своих стихотворений:Негры пели русскую "Катюшу",
Ту, что Исаковский написал.
В последние годы "Катюша" стала очень популярной в Японии. В Токио и сейчас есть кафе под названием "Катюша", в котором эта
песня исполняется по крайней мере один раз в течение вечера. Вот такая история песни, которую любят и поют во всём мире.
https://www.youtube.com/watch?v=gOyPwNKQS4c
----------------------------------------------------------------------------
Вторник,12.05.2020
Урок музыки в 7 «А». «Синий платочек. История одной песни»
Песня «Синий платочек» была написана и исполнена ещё до начала войны. Автор музыки песни —
польский музыкант Ежи Петерсбурский. Автор слов и названия песни — Яков Гольденберг (Галицкий).
После раздела Польши в 1939 году Е. Петерсбурский оказался в отошедшем к Советскому Союзу Белостоке и
в конце 1939 года возглавил Белорусский республиканский джаз-оркестр. Музыка была написана им в 1940 году в
Минске, в номере гостиницы «Беларусь». Во время гастролей в Москве музыку услышал и написал к ней слова поэт
и драматург Яков Гольденберг (в числе прочих публиковавшийся под псевдонимом Я. Галицкий). Уже через два дня песню
исполнил солист ансамбля Станислав Ландау Лирическая песня быстро стала шлягером. Её стали включать в свой
репертуар известные исполнители: Вадим Козин, Лидия Русланова, Изабелла Юрьева. На пластинку в довоенные годы
«Синий платочек» был записан дважды.
Началась война. В первые же дни войны поэт Борис Ковынев сложил следующие строки:
Двадцать второго июня,
Ровно в четыре часа
Киев бомбили,
Нам объявили,
Что началася война.
Кончилось мирное время,
Нам расставаться пора.
Я уезжаю,
Быть обещаю
Верным тебе до конца.
Эти строки сочинялись оперативно, по горячим следам событий. А главное — были подхвачены и запеты миллионами.
С той поры появилось несколько десятков текстовых версий и переделок на мотив «Синего платочка», но строчки
«Двадцать второго июня, ровно в четыре часа» навсегда сохранились в народной памяти.
В своих воспоминаниях поэт-фронтовик А. Сурков писал:
Уже с первых дней войны стало слышно, что рядом с коваными строками «Идет война народная, священная война»
в солдатском сердце теплятся тихие лирические слова песенки «Синенький скромный платочек». Так и было.
Более того — в солдатских окопах и землянках в короткие минуты отдыха пели не только прежний довоенный вариант
«Синего платочка». Повсеместно бытовали самые различные его переделки: лирические, шуточные, сатирические…
Однажды после концерта в воинской части осенью 1942 года… к певице Клавдии Ивановне Шульженко подошёл молодой
лейтенант… Сказал, что его зовут Михаил Максимов и что он написал новые слова на мотив «Синего платочка». Эта песня
уже года три как считалась одной из популярных песен. 22-летний лейтенант, краснея и запинаясь, предложил ей (Шульженко)
свои стихи, она обещала их почитать. Наивные и искренние строки Максимова очень понравились. Вечером того же дня она
исполнила песню Е. Петербургского на слова Максимова. Потом Михаил всем желающим переписывал «слова». Через неделю
о песне знал весь
Волховский фронт. Через два месяца — вся передовая… и весь тыл.
Вот в таком варианте песню стала исполнять на фронтовых концертах Шульженко. Её задушевное исполнение доносило ставшие
нужными теплые лиричные слова песни на уже давно знакомый мотив. Это было время, когда советская армия отступала под напором немецких войск, обстановка накалилась до предела, руководство страной предпринимало жёсткие меры к прекращению отступления.
Ещё страшнее стало с выходом приказа «Ни шагу назад!»,
Ситуация на фронте была крайне тяжелой, в том числе и в психологическом плане, в такой обстановке простые и доходчивые
слова песни стали символом живого слова и самой жизни. Уже во время войны песня была записана на грампластинки; с записи
этой редакции песни в 1942 году было возобновлено производство грампластинок, прерванное войной.
Шульженко вспоминала, что граммофонная запись «Платочка» делалась зимой 1943 года в холодном здании студии.
Клавдия Ивановна пела, не раздеваясь. Оператор Галя Журавлева положила на станок восковой диск, и запись пошла.
Артистка пела, а Галя вспоминала проводы своего мужа, который оставил её с маленьким сынишкой на руках. Оператор
слушала и не замечала, что её слезы падают на воск и растапливают его. Запись оказалась негодной, но таким «браком» Шульженко гордилась всю жизнь.
Песня «Синий платочек» стала символом Великой Отечественной, даже через много лет после войны Клавдия Шульженко не снимала её с репертуара, а образ самой певицы с синеньким платочком в руках стал хрестоматийным. В 1976 году во время своего юбилейного концерта, открывая его, семидесятилетняя певица вышла на сцену Колонного зала Дома Союзов, держа в руке синий шелковый платок. Зал встал и стоя аплодировал. Эти аплодисменты предназначались не только самой певице, но и песне, прошедшей тяжелейшую войну вместе с солдатами.
https://www.youtube.com/watch?v=pefW8euBLuM
